Arte entre Artes

E a tarde caía feito um viaduto...

2012-01-22T12:34:00.000-08:00

Nos meados dos anos 70 tivemos o privilégio de ser alunos e alunas de Nelson Leirner, Julio Plaza, Regina Silveira, Ubirajara Ribeiro, Walter Zanini, Evandro Carlos Jardim, Nicolas Vlavianos, Rafael Buongermino, Duschennes, Donato Ferrari, Tomoshige Kosuno,Donato Chiarella,entre outros grandes professores da FAAP , quando, após o assassinato de Wladimir Herzog - então também professor de jornalismo da FAAP- nos porões da ditadura, iniciava-se um período de reivindicação das liberdades democráticas. A FAAP fervilhava de entusiasmo e criatividade. E as aulas do Nelson Leirner eram as que mais mexiam com a gente. As que não nos deixavam dormir à noite. As que desmontavam tudo o que anteriormente acreditávamos. As que nos desnudavam das nossas máscaras narcísicas e nos propunham a sinceridade. A verdade. A pureza mais íntima.
Resgatei esta entrevista com ele de um catálogo que tenho.

ENTREVISTA COM NELSON LEIRNER ( Catálogo da exposição "Onde está você, Geração 80?", 2004, CCBB - Rio de Janeiro.
Daniela Name e Fernanda Lopes

Um dos maiores nomes da arte brasileira nos anos 60, Nelson Leirner, um dos fundadores do Grupo Rex, integrou a equipe de professores que mudou cara do curso de arte da Faculdade Armando Álvares Penteado (FAAP) na virada dos anos 70 para os anos 80. Junto com nomes como Regina Silveira e Julio Plaza, Leirner ajudou a formar alunos como Leda Catunda, Sergio Romagnolo, Luiz Zerbini e Leonilson.
A característica fundamental da FAAP era misturar a pintura com outras formas de expressão artística o que se refletiu diretamente nos alunos formados nas suas oficinas.

Conte por favor um pouco da sua história na FAAP.
Quando você começou a dar aula?
NL: Comecei a dar aula na FAAP em 1973. Naquela época se começou a pensar numa reestruturação das artes plásticas na FAAP. Entrei como professor convidado e era um grupo que tinha o Donato Ferrari, o Mário Ishikawa...Eles estavam tentando replanejar o curso de arte, trazendo novos professores. E foi aí que, eu, Regina Silveira, Julio Plaza e Walter Zanini começamos a dar aula. Antes da gente, a ênfase maior era para as aulas teóricas. A aula prática praticamente não existia. Tanto que as oficinas eram minúsculas, fora do prédio da FAAP, em um galpãozinho. Dávamos aula lá, mas quase não havia equipamento, nada. Com o tempo, a FAAP virou uma universidade com uma múltipla ação. Artes Plásticas foi sempre curso deficitário, que não rendia financeiramente. Porque Artes Plásticas, engraçado, era um curso onde as pessoas começavam mas interrompiam. Tanto que era chamado de ‘espera marido’ (risos). As pessoas entravam para esperar casar, para fazer alguma coisa até casar. Depois que casavam, iam embora. Então os cursos que começavam com 30, 40 alunos por turma, terminavam com duas, três pessoas, a maioria era de mulheres. Isso começou a mudar fins dos anos 70. Como o novo quadro de professores já estava lá há quase 10 anos, tivemos a chance, depois de muita luta política, de transformar o quadro de ‘espera-marido’ para alguma outra coisa...Pela diretoria, o curso teria sido até fechado. Mas havia um testamento da família Penteado que obrigava a manter a universidade sempre ligada às artes. As Artes Plásticas eram um osso atravessado na garganta deles. Todos os movimentos políticos, todos os movimentos de greve por melhores salários, começavam nas Artes Plásticas...
Com o tempo as aulas práticas assam a ter uma importância maior? Isso gera resultados nos trabalhos dos alunos? Aqui no Parque Lage houve uma espécie de resgate do prazer pelo fazer...O que aconteceu em São Paulo?
NL: O Parque Lage era muito mais voltado para a pintura. Em São Paulo, abríamos mais o campo para o objeto, para a instalação, para outros meios. E também formamos críticos, como a Daniela Bousso, que foi minha aluna nos anos 80. O Martin Grossmann também foi meu aluno. Discutíamos sempre no bar, o Buim, que era uma espécie de continuação da sala de aula, um ponto de encontro de professores e alunos. De dia você discutia na lanchonete dentro da FAAP. À noite, ia para o Buim e continuava discutindo, só que todo mundo terminava bêbado...Podia até ter surgido um movimento dadaísta no Buim, se tivesse um Tsara por lá. (risos) O bar fervilhava.
Você acha que o fato de os professores não terem uma formação como pintores, como acontecia no Parque Lage, faz com que a Geração 80 saída da FAAP tenha obras com características mais híbridas Como as aulas se refletiram no trabalho de alunos como Leda Catunda, Sergio Romagnolo e Leonilson?
NL: Cada um poderia escolher o professor que quisesse como orientador. A Leda e o Sergio me escolheram. E cada um ia escolhendo o professor que se adequava mais. A Regina Silveira, por exemplo, tinha uma pesquisa mais da imagem, começou a usar o microfilme, computador, Xerox, multimeios. Eu estava mais ligado ao objeto, à instalação, à performance... Havia um deslocamento de alunos para outras linguages que não a pintura, embora nós também déssemos aula de pintura.
Mas a pintura de leda Catunda é meio objetual, não é? Sai do plano.
NL: Lógico, sai do plano direto. Nas minhas aulas, eu provocava os alunos. Minha primeira aula de pintura era sem tinta. Dizia: “peguem um lençol e, sem usar nenhum tipo de tinta, tragam um trabalho de pintura”. Deu no que o Leonilson fez a vida inteira. Mas havia um choque dentro da própria FAAP , porque eu fazia este tipo de coisa e outros professores insistiam no uso da tinta. Ao mesmo tempo, o Juli Plaza falava de multimídia, a Regina de Xerox. Aquela porcentagem de alunos que estavam realmente interessados, começam a pensar em arte.
Vocês acabaram mudando a faculdade.
NL: Abrimos a faculdade para os alunos. Eu me lembro até hoje, por exemplo, que vários trabalhos de alunos invadiram o saguão principal onde estavam as estátuas do Aleijadinho. Daquela escadaria saía um belíssimo trabalho da Laura Vinci. Iran do Espírito Santo ocupou a parede com as malas que ele fazia. Era pintura mas na parede, na forma de objetos. Nós conseguimos sair da sala de aula. Havia professores que ainda exigiam técnica, o domínio perfeito da solda em metal, por exemplo. E havia alunos que tinham um trabalho que se aproximava destes mestres. Comigo, se um aluno dobrasse o metal errado ou não soubesse usar a solda, eu pedia que ele chamasse um técnico. Estava mais interessado na idéia, no projeto. A diferença entre os professores dava à FAAP um certo equilíbrio. Havia várias cabeças. A experiência de uma escola livre é diferente: você escolhe um único professor, o que para mim é negativo. Você não tem a opção de levar uma chacoalhada de um, de outro...” não, mas ele me mandou fazer isso”, dizia um aluno para mim. E eu respondia: ‘ mas ele não sabe o que ele está falando”. E o aluno era obrigado a se mexer.
Vocês faziam um cabo de guerra na cabeça do aluno.
NL: O aluno pirava, isso era a grande coisa que acontecia naquela época na FAAP. Mas míngüem obrigava ninguém a nada. Meus alunos não tinham que fazer performance porque eu fazia, tanto que eu dava aula de pintura. MS de maneira diferente dos professores tradicionais. A primeira medida que cada aluno tinha que tomar era jogar fora a maleta de pintura, aquele material arrumadinho de estudante comportado. Eu gostava de fazer uma terapia de choque nas primeiras aulas. Chegava em aula, pegava um livro, qualquer um, e falava: “ escrevam”, e fazia eles escreverem por duas horas seguidas um texto. No fim da aula eu chegava e falava: “ Vocês são uns babacas. Vocês me obedeceram durante duas horas sem nenhum questionamento porque vocês estavam fazendo isso?”
E alguma vez alguém questionou?
NL: Sim, e quando isso acontecia, a aula terminava. Você começa a formação de alguém desse jeito. Outra coisa que eu fazia era perguntar “ Quem quer passar?” no primeiro dia. “Quem quer passar com nota 5 levante o dedo”. Aí um ou dois levantavam a mão. Eu pedia os nomes e anotava. Depois eu falava: “ E agora, quem quer passar com nota 7?” (risos) Os dois com nota cinco já ficavam meio ressabiados, entende? Também oferecia aos alunos a oportunidade de tirar a nota no baralho. Fazia isso quando o aluno vinha me mostrar o trabalho e eu percebia que ele tinha chutado, feito de qualquer maneira. Porque não gostava de reprovar, reprovar em arte é meio absurdo. Então eu abria o baralho e falava “Você tem seis chances a favor e quatro contra”. Muitos deles tiravam nota no baralho e, se tirasse dez, passava com dez.
E tinha gente que não topava o jogo?
NL: Ah, sim... A maioria não topava o jogo. A maioria tinha receio. Na faculdade, o aluno sabe que ele tem que ter presença e nota. Se ele não tiver presença e nota, ele não vai para frente. Esta é a diferença de um curso livre. Um professor de faculdade tem na mão um alto poder de exigir trabalho. Eu dizia:” quero cem croquis de cada um para a próxima aula”. Eles traziam uma porcaria, lógico, mas o que importa? Era a chance de, na aula seguinte eu perguntar: “ Vocês sabem o que significa cem?” Cem croquis, se vocês pensarem bem, pode ser uma instalação. Então não é à toa que a gente pede as coisas pra vocês. É para vocês saberem que tudo tem outras soluções. Eles apanhavam de mim, da Regina, do Julio... O fim da ditadura ajudou muito essa explosão da Geração 80, porque na ditadura na poderia haver aulas como esta.
Qual a lembrança que você tem destes alunos, 20 anos depois?
NL: Casei a Leda e o Sergio. Estimulei os dois a namorar e acabou dando certo. Zerbini também foi meu aluno, tinha uma ótima cabeça. Leonilson não terminou a FAAP. Ele fez a FAAP no começo. Foi meu aluno só um ano. Agora, é muito curioso porque você percebe logo quando alguém tem talento, então deixa esse tipo de aluno solto, para que ele possa criar. Com ele foi assim. A maioria...bem, passaram por mim seis mil alunos. Digamos que apenas 1% deles se tornaram bons artistas. Você tem que saber lidar com tantas cabeças e saber que muitos estão ali e não vão acontecer na carreira. Quando eu entrava na primeira aula, eu fazia a experiência de olhar para cada um. Na maioria das vezes, sabia quem ia ser um bom artista ou não nesta primeira olhada, pela postura, por algo inexplicável.
E quais eram as características que indicavam um futuro bom artista?
NL: Questionamento, o posicionamento, o interesse. Eu era conhecido como um professor muito duro. O pessoal chorava mesmo. Até hoje o pessoal tem medo de mim. Não era carrasco, mas fazia questão de induzir os alunos ao erro para que eles perdessem as idéias pré concebidas. Na arte você tem que saber uma coisa: tem sempre um discurso que pode ser positivo e um que pode ser negativo, dentro de um mesm trabalho. Seja qual for o trabalho, você pode pender para um lado ou para o outro. Então, de repente, dando certos tipos de exercício ao pessoal, sabia exatamente como destruir alguma coisa. Arrasava. Fazia zero do outro. E mostrava como construir também. É engraçado, porque o aluno que entra no primeiro ano, já vem fantasiado de artista. Ele já vem com tudo pendurado em cima dele, como uma árvore de natal. Vem com o melhor papel que existe, ainda mais na FAAP, que é uma faculdade de gente que tem dinheiro.
E a tarefa do professor é desmontar isso?
NL: De cara.
E dói , né? Por isso eles choravam...
NL: Mas o que eu fazia não era destruição. Tentava mostrar como eles podiam ocupar espaço. Ana Tavares foi minha aluna e passou por estas experiências. Cada aluno apresentava um trabalho. E Ana Tavares foi o único dez geral, avaliado positivamente por todos os professores, já que havia uma grande troca entre nós. Quando acabava o ano, nós fazíamos uma exposição por toda a FAAP. Ocupávamos a faculdade com o trabalho dos alunos e todos iam olhar, para dar opinião. Eles acompanhavam não só para ouvir, mas também para aprender a fazer uma leitura do trabalho. Era muito rico, porque a gente deixava claro que arte não se ensina e nós mesmos não sabíamos direito o que estávamos fazendo lá. Isso dava um nó na cabeça do aluno, mas também fazia ele crescer.

La Cocagne, A Cocanha, The Cockaigne,A Cocaína

2011-10-22T16:45:00.000-07:00

"Este país não foi até o presente conhecido por ninguém, salvo pelos patifes e velhacos que o descobriram primeiro. Todos aqueles que quiserem render-se a ele, devem ser intrépidos e bem preparados para enfrentar grandes coisas porque, diante de si, estará uma muito alta e muito larga montanha de massa, através da qual eles deverão abrir caminho comendo antes de chegar no lugar, muito famoso e muito bem conhecido dos mal intencionados e dos que deixaram para trás toda a virtude e honorabilidade. Porque não há maior vergonha neste pais da Cocanha que se comportar virtuosamente, racionalmente, honradamente e com boas maneiras, e de amar ganhar sua alimentação com suas próprias mãos. Aquele que se mantem virtuosamente e honestamente é isolado de todos e, finalmente, banido do país da Cocanha".

Tradução livre de um texto em francês, originalmente publicado em flamengo na época de Bruegel, séc. XVI.

A Terra da Cocanha - Bruegel

Este mito da Terra da Cocanha surge recorrentemente, a partir da Idade Média, em épocas de extrema privação alimentar, de doenças e de pestes. Neste mundo imaginário, a fartura chega aos limites de um fastio nauseante e imobilizante, que obtusa os sentidos e aniquila as vontades. Pelo texto acima, depreendemos que o mito traz embutido um discurso moral: num tempo em que a maioria se debate entre a fome e a sobrevivência, os velhacos e patifes que habitam a Terra da Cocanha, são os que consomem sozinhos o que daria para saciar a fome de muitos, na ânsia compulsiva de botar para dentro, de guardar em si, e para si, o máximo de alimento possível.

mangual

Bruegel, o Velho (Breda, 1525/1530 / Bruxelas / 9 de setembro de 1569), pintou uma imagem sobre o tema, em óleo sobre madeira em 1567, que hoje se encontra na München Alte Pinakothek. Nela podemos ver um camponês um cavalheiro e um letrado que estão prostrados no chão, embaixo de uma árvore, cujo tronco é circundado por uma mesa posta. Cada um deles repousa a cabeça sobre uma base diferente: o nobre, em cima de uma almofada, o letrado sobre um casaco de pele e livros, e o camponês sobre um mangual ( um instrumento através do qual se malha cereais para debulhá-los.). O escudeiro, ao lado esquerdo, vestido com uma armadura, monta guarda sob as provisões e espera que algo lhe caia na boca aberta. À direita, vemos a montanha de papa sendo atravessada por alguém que a vai deglutindo para abrir caminho. As cercas são feitas de salsichas, os gansos aparecem já assados, os porcos, já prontos para serem cortados, exibem as facas no couro, e grandes tortas formam o que aparentam ser cactos.

Cockaigne - Vincent Desiderio

O mito retorna no início do século XXI, na obra "The Cockaigne" ( não por casualidade há semelhança fonética com Cocaine) pintada meticulosamente em óleo sobre uma tela de aproximadamente 4,60cm por 3,35cm, entre 1993 e 2003, que pertence ao acervo do Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washignton, ( http://hirshhorn.si.edu/ ) , por Vincent Desiderio ( Philadelphia, EUA,1955).

"A versão de Vincent Desiderio é uma crítica ao que ele chama de "bulimia cultural" - nosso consumo compulsivo de imagens que só nos deixa mais famintos de mais imagens.É também um comentário sobre o procedimento da pintura no século XXI: diante de tal pletora de estilos e linguagens formais, como é possível criar algo novo, alguma coisa distintamente relevante ao nosso próprio tempo?"( por Bia Fineman do New Yor Times)

Enquanto alguns detectam sinais que a festa acabou, simbolizando o fim da pintura, Desiderio nega que ela carregue uma mensagem pessimista. "Eu pintei a terra devastada", ele disse, "transformando-a em colheita." O próprio fato de que ele trabalhou tão longa e arduamente para criar a obra, sugere que a pintura está viva e bem. O trabalho em si já demonstra, ele observou, "o poder da pintura." Desiderio fala apaixonadamente sobre o dilema enfrentado pelos artistas contemporâneos, confrontados por uma infinidade de estilos e linguagens, frequentemente em perigo de serem oprimidos por tantas informações sobre arte. Desiderio afirma que há uma nova onda de interesse pela pintura, particularmente a pintura séria, porque" a pintura é um meio que ressalta a voz individual num momento em que a maioria das áreas de expressão são dominadas pelo tipo de estilização genérica ou manipulação genérica de materiais encontrados .... A pintura é um santuário para a voz individual, num momento em que a individualidade tornou-se tão manipulada como os materiais que a maioria usa em arte hoje em dia."

Ceci n'est ce pas une pipe - Magritte

Desiderio se baseou na sua própria coleção de livros de arte para reproduzi-los na tela. As escolhas de como eles apareceriam na pintura - em foco ou fora de foco, obscurecidos por sombras ou reflexos - foram guiadas por sua significancia para ele, ao invés de por uma percepção acurada. "Mesmo que esta cena realmente existisse, esta não seria a maneira como uma câmera a veria", ele disse.

O tampo da mesa inclinado com louça espalhada e restos de um banquete, relaciona-se de imediato à pintura de Bruegel, porém com uma tigela vazia ao centro, esse vazio do recém consumido. Ao contrário da Cocanha de Bruegel, estas tigelas não se tornarão novamente cheias. O que parece não ter fim é o mar de livros que rodeiam a mesa e que representam seis séculos de arte ocidental, como os restos de uma festa realmente grande. Nas páginas destes livros virtuais - ironia!- ele reproduz meticulosamente, em versões miniaturizadas, suas obras favoritas de artistas que, numa passada rápida de olhos, podemos identificar: Velázquez, Van Eyck, Ribera, Vermeer, Courbet, Whistler, Manet , Matisse, Henri Rousseau, Giacometti, Picasso, Magritte, Mondrian, Whistler, Cassatt, Gabo, Motherwell, entre outros.

Academy (detalhe do tríptico)- Desiderio

Cocanha, Cocagne, Cocuña, Cockaigne , Cocaine. Tudo nos remete à compulsão do consumo por imagens, comida, produtos, poder, grana, que desaba sobre nós num vórtice vicioso, cornucópia infinita de vanitas em que se trasnformaram as livrarias, os shopping centers, os condomínios, as escolas, os restaurantes,os mp3, os mp4, os computadores, os celulares e todas as suas parafernálias, as religiões e as miríades de informações.

" O Sol nas bancas de revista, me enche de alegria e preguiça, quem lê tanta notícia?" , e o Caetano nem podia sonhar com tudo o que se veicula hoje. Ou como escreveu pra mim a Lena Amorim a respeito da obra do Desiderio: " Tanta oferta, tanta fartura, quanto muito! Quem consegue saborear e digerir? Fastio - doença do excesso."

Melancholia - de Dürer a Lars von Trier

2011-09-24T16:38:00.000-07:00

"POR QUE RAZÃO TODOS AQUELES QUE FORAM HOMENS DE EXCEÇÃO NO QUE CONCERNE À FILOSOFIA, À CIÊNCIA, À POESIA OU ÀS ARTES, FORAM MANIFESTAMENTE MELANCÓLICOS, E ALGUNS MESMO A PONTO DE SEREM ATINGIDOS POR MALES ONDE A BILE NEGRA ERA A ORIGEM?" (Aristóteles)

Madalena - George de Latour

Reconhece-se a Melancolia pela sua eterna postura codificada na antiguidade grega. Das estelas funerárias do século Vac ao retrato do dr. Gachet de Van Gogh, a atitude não muda muito. São Jerônimo ou Madalena, retratos de cavalheiros, autoretratos de artistas, a pose é semelhante. As costas curvadas, a cabeça inclinada, o olhar voltado para o chão, perdido em devaneios ou implorando em direção ao espectador. Uma das mãos sustenta o maxilar ou a fronte. O universo é plumbeo - e o chumbo é um metal saturnino - o corpo petrificado, a alma enclausurada sob o peso das lembranças, mágoas, nostalgias. Lassitude e concentração.

A história da melancolia começa no século IV ac, na Grécia. É lá que aparece pela primeira vez a palavra melankholia que é formada pela associação de duas palavras: melan = escuro e kholia = bile. Foi traduzida para o latim Melancholia, a partir do século IIIdc .
Os Pensadores gregos da época, após determinarem as leis que regem a natureza, voltaram-se para o indivíduo, utilizando os princípios desenvolvidos para a natureza. Como ela compreende quatro estações e a matéria quatro qualidades fundamentais - calor, frio, seco, úmido - as quatro estações do ano, os quatro pontos cardeais, os quatro elementos - água terra fogo e ar -, o Homem, pensaram eles, deve também estar constituído por quatro elementos. Então, no século IVac , num escrito intitulado ' Da Natureza do Homem', Hipócrates isolou no corpo humano quatro 'humores': três deles seriam substâncias residuais provenientes de parte dos alimentos não digeridos pelos corpos. A bile negra (melan kholia) proveniente do baço, a bile amarela proveniente do fígado, a fleuma das linfas e o sangue. A saúde se define em consequência do equilíbrio dos quatro humores e, a doença, do predomínio de uma dessas substâncias.
A melancolia designa, por um lado, uma substância natural do corpo mas, por outro, a doença ligada ao excesso desta substância. O equilíbrio entre a bile negra aquecida ( que geraria o furor) e a bile negra esfriada (que causa a prostração), a temperatura média, poderia engendrar um estado de inspiração genial. A melancolia inspirada não seria patológica.
Com a chegada do Cristianismo alguns anacoretas em retiro no deserto experimentavam uma espécie particular de melancolia conhecida como ACEDIA, palavra derivada do grego AKÊDIA que significa negligência, indiferença ou tristeza profunda, abatimento, lassidão. Também conhecida como 'demônio do meio dia', passa a figurar como o sexto dos, na época, oito pecados capitais.
Saturno é o planeta associado à Melancolia. Essa associação vem dos astrólogos árabes que, no século VIIdc traduzem e interpretam o pensamento grego. A lenta evolução de Saturno no céu, sua influência restritora sobre as criaturas, a demora que ele causa, seriam características melancólicas. Porém, no século XII, esta tradição astrológica encontra uma outra tradição que se fundamenta sobre a ligação entre os sete planetas conhecidos e os sete dons do Espírito Santo. Esta nova associação deu a Saturno o maior dos dons- a Sabedoria.
Em 1514 o artista alemão Albrecht Dürer criou a gravura em metal 'Melancholia I' que Moacir Scliar em seu livro 'Saturno nos Trópicos' assim descreveu:
'Representada como uma mulher de asas potencialmente capaz de altos voos intelectuais. Mas ela não está voando. Está sentada imóvel, na clássica posição dos melancólicos, com o rosto apoiado em uma das mãos (...) a cabeça lhe pesa, cheia que está de mórbidas fantasias. Os músculos da nuca, que deveriam manter erguida aquela cabeça, de há muito cansaram.No ansioso esses músculos estão sempre tensos; é uma tensão arcaica, a mesma que faz o herbívoro erguer a cabeça alarmado quando fareja um carnívoro. Na Melancholia I,às voltas com demônios interiores, a ameaça externa, real ou imaginária, não importa muito. Permanece imóvel como se lhe faltasse ânimo para movimentar-se ou (...) a figura encontra-se em intenso transe visionário(...).Sua fronte está coroada com plantas aquáticas destinadas a combater a secura que, como vimos, é uma das características dos melancólicos.
Junto à Melancolia, um cão adormecido. Dizia-se então que o organismo do cão é dominado pelo baço (...). Na gravura ainda há uma profusão de objetos usados no cotidiano, em vários ofícios e na ciência.: uma balança, uma ampulheta, uma sineta, martelo, serrote, pregos. Aparentemente eles não estão ali para serem usados; ao contrário, sugerem imobilidade - a mesma imobilidade que transparece na própria Melancolia e no sono do cão. O tempo está congelado: os dois compartimentos da ampulheta contém a mesma quantidade de areia. Uma tábua numérica cujos números somados dão sempre o mesmo resultado, na horizontal ou na vertical - uma alusão à geometria, muito valorizada então como fonte de conhecimento não apenas teórico. As chaves na cintura e a bolsa no chão - chave significa poder e a bolsa, riqueza. Estas são anotações do próprio Dürer.
Ela tem tudo isso mas falta disposição para ir em busca de novos espaços. A bolsa remete à avareza característica tradicionalmente atribuída aos melancólicos. Aliás, a Melancolia se apresenta com o punho cerrado, o PUGILLUM CLAUSUM que até hoje é um símbolo clássico da avareza. Walter Benjamin chama a atenção para a pedra. Dura e fria, é um símbolo da melancolia e da loucura também. No final da Idade Média havia um procedimento para tratar os loucos: fazia-se uma incisão no crânio do doente 'abrindo-lhe' a cabeça. Depois era lhe apresentar uma pedra supostamente dali retirada, a pedra 'causadora da loucura'. Daí veio a expressão louco de pedra."

A gravura de Dürer surge quatro anos depois do aparecimento de um manuscrito que circulava nos meios literários alemães, o DE OCULTA PHILOSOPHIA, de autoria de um filósofo versado em ocultismo Agrippa de Nettesheim. Ali ele distingue uma bile branca, à qual ele atribui o entusiasmo sucetível de estimular a criatividade e geraria três epécies de melancolia ligadas, seguindo uma ordem ascendente, às três faculdades da alma: a imaginação, a razão e o espírito.

A primeira, a Melancholia Imaginatoris seria o lugar de gênios de um tipo inferior. Ela governaria os homens mais incultos, aos quais ela permitiria o acesso a um status de pintor e de arquiteto. Ela reinaria também sobre as catástrofes naturais onde os cometas e arco íris seriam signos premonitórios.

A segunda, a Melancholia Rationis acompanharia os filósofos, os doutores e os oradores que, graças aos gênios intermediários, teriam acesso ao conhecimento pela razão. Os livros e tudo aquilo que demanda tempo e números pertenceria a esta segunda esfera melancólica.

A terceira, a Melancholia Mentis reuniria os espíritos mais elevados e a eles revelaria a lei de Deus. Na sua esfera de influênia, os cometas e os arco íris poderiam também anunciar a chegada de uma redenção final.

Na Melancholia I, Dürer coloca elementos citados por Nettesheim nas Melancolias 1,2 e 3, mas não cria obras individuais para cada uma delas. Com a obra de Dürer, a melancolia começou a tornar-se um sujeito autônomo, destacando-se de qualquer referência à teoria dos quatro humores ou temperamentos. Ela representa, antes de mais nada, uma mudança de paradigma. A melancolia já não é uma entidade médica, não é doença,não é pecado. É metáfora.

John Everett Millais

Lars von Trier criou uma obra cinematográfica belíssima com o tema. Seu filme Melancholia compreende esse universo metafórico e faz associações as mais variadas, sucitando questões ao mesmo tempo atemporais e contemporâneas, como inexorabilidade, finitude, controle e a falta de, ritualização, hipocrisia, inocência e sabedoria. O filme divide-se em duas partes: Justine e Claire, nomes das duas irmãs que protagonizam o drama. Justine (Kirsten Dunst) é linda e está se casando. Claire (Charlotte Gainsbourg) nem tão bonita, mas eficiente e controladora, é quem organiza a festa de casamento da irmã. O Diretor usa a festa para apresentar seus personagens: A Noiva Justine, o Noivo Michael, a Irmã Claire, o Cunhado John,o Sobrinho Leo, a Mãe da noiva Gaby, o Pai da noiva, o Chefe da noiva, o Assistente do chefe, o Mordomo da casa, o Cavalo Abraham. Na chegada dos noivos - atrasados - à festa, já notamos um mal estar que vai se tornando cada vez mais incômodo à medida que a história avança. Claire mostra-se excessivamente preocupada com rituais , horários e com o comportamento de Justine, procurando controlar tudo e manter as aparências. John é o rico proprietário do castelo situado em meio a um campo de golf, onde a festa acontece. Repete várias vezes que está gastando uma fortuna e, em conversa particular com Justine, menciona que eles tem um acordo: ela vai ser feliz. Ela diz que está tentando. Michael é, seu nome sugere, bom como um anjo, de uma pureza quase naífe. Aparentemente não está a par completamente do estado que vai tomando conta de sua noiva : a profunda melancolia. Ao que parece, a família 'acha uma solução' para Justine, casando-a com aquele marido tão gentil e capaz de 'cuidar' dela. Justine chega na festa radiante e linda. É a primeira a perceber uma 'estrela' diferente no céu, que John diz ser Antares, mas que na verdade, é um planeta chamado MELANCHOLIA, que esteve escondido atrás do sol, e que agora se torna visível.( Há um planeta que se anuncia na gravura de Dürer também. E assim como na gravura de Dürer, todo o conhecimento e tecnologia representados pelos instrumentos - compasso, serrote, pregos, ampulheta, a esfera perfeita, o poliedro, a tábua dos números - vai ser inútil, o telescópio, o automóvel, a limusine, o carrinho de golf, o computador , o conforto e a segurança do próprio castelo, também serão.)
Durante a festa, a mãe das irmãs , Gaby, faz um discurso devastador. A partir daí, Justine inicia lentamente um processo melancólico. Já nada mais importa. Nem festa, nem casamento, nem marido, nem a promoção que o chefe dela anuncia, elevando-a de copidesquista à diretora de arte. Esse chefe representa os piores vícios de uma sociedade hipócrita, de exploração feroz das pessoas indistintamente. Ele tem um assistente chamado Tim a quem ele submete um joguinho sórdido. Esse rapaz, protótipo do jovem medíocre e ambicioso, aceita. O pai das irmãs é um bobo alegre, que resolve chamar todas as mulheres de Betty, inclusive a filha Justine, quando ela mais precisa dele. Humilha o mordomo - que no filme é tratado por Padrinho - que por sua vez, aceita a humilhação sem reclamar.A inocência está representada pelo sobrinho Leo, para quem Justine , a 'tia quebra aço', vai ser fundamental no final da história. E o instinto é Abraham, o cavalo.
Há que se destacar a música que funciona quase como um outro personagem : 'Prelúdio de Tristão e Isolda', de Wagner.

Após um diálogo entre as duas irmãs numa sala reservada onde Claire cobra o compromisso de felicidade da irmã, Justine, ao ficar sozinha, angustiada, troca todas as páginas dos livros de arte expostos nas prateleiras das estantes. As páginas exibem quadros de Malevich, abstrações geométricas ordenadas, claras, de rítmo dinâmico e progressivo. Nervosamente Justine vai trocando por imagens de Brueghel ('Os Caçadores' e 'A Cocanha' ), Caravaggio ('Davi e Golias'), John Everett Millais ('Ophelia') e Jeronnymus Bosch ( detalhe do tríptico 'O Jardim das Delícias Terrenas', painel do meio.)

Suiprematismo - Malevich

Suprematismo - Malevich


Cocagne - Brueghel

A Cocagne é mito que surgia recorrentemente na Idade Média toda vez que as sociedades se viam diante de períodos de fome , morte e peste. Era um lugar imaginário onde havia fartura inacabável até o fastio. Tudo era comestível: as árvores e as cercas do lugar eram feitas de bolos e pães. E as pessoas comiam tanto que acabavam prostradas, acometidas de uma 'acedia' imobilizante. Para se chegar a esse lugar, tínha-se que abrir caminho comendo uma montanha de massa. Tudo isso, Brueghel representou magnificamente no seu quadro. E a escolha dele pelo diretor do filme, é bastante feliz se o compararmos à festa do casamento e, mais ainda, à sociedade de luxo e consumo da Europa atual, cuja economia já começa a dar sinais de saturação e declínio.

CAçadores - Brueghel

A imagem ameaçadora destes caçadores chegando em silêncio sorrateiro na neve é a primeira a aparecer numa espécie de prólogo do filme. Ao som do 'Prelúdio de Tristão e Isolda', de Wagner, a imagem vai se deteriorando lentamente. É um mundo que acaba. Acabou no século XVI para os contemporâneos de Brueghel e Dürer, onde todas as certezas que tinham foram substituídas por outras, muito mais inquietantes, que viriam a se consolidar após a Reforma, os Descobrimentos, as lentes, os espelhos (lunetas e câmaras escuras) e a consciência dos espaços infinitos . E acaba agora, no nosso século, segundo von Trier, ao queimar sob o impacto do planeta Melancholia com a Terra, quando tudo irá ser destruído, inclusive toda a produção artística e cultural da humanidade. Consciência brutal da inutilidade de tudo. Metáfora de um momento histórico onde, outra vez, tudo são incertezas.

det Jardim das Delícias - Bosch

Um detalhe do tríptico 'O Jardim das Delícias Terrenas', de Jeronymmus Bosch aparece também em destaque. No meio de tantas figuras inquietantes, há um pequeno ser humano , bem no centro, assumindo a pose clássica da melancolia. Assim como Justine, que vai se tornando cada vez mais melancólica no meio da fartura e de todas aquelas 'delícias terrenas'.

Davi e Golias - Caravaggio

Esse trágico Caravaggio, cuja cabeça do Golias é um auto retrato segundo alguns autores, também figura entre as imagens escolhidas por Justine para ficarem expostas nas prateleiras. A cabeça do gigante cortada por um jovem que a observa com um misto de piedade e desdém, é uma das últimas obras do artista, cujo tema da decapitação se torna fequente a partir do momento em que ele é condenado à morte por enforcamento.

A referência à obra de John Everett Millais nesta cena é muito clara: Justine como uma moderna Ophelia que, de certo modo, também se suicida ao entregar-se à depressão-acedia-melancolia-spleen-morteemvida. Sua imagem radiante do início, vai se desfazendo, apagando aos poucos a maquiagem, desmanchando o cabelo, rasgando o véu, tirando o vestido que, de lindo, passa a ser um enorme estorvo que a impede de caminhar. Um vestido que também se assemelha ao vestido do anjo na gravura de Dürer.Quem renasce é outra Justine,serena, segura e generosa como um anjo da morte que segura nossa mão nos instantes finais, que nos abriga em mágicas cavernas de gravetos. Justine na forma da sabedoria de Saturno.

Melancholia - Cranach

Há outros três quadros denominados Melancholia no século XVI. São posteriores à gravura de Dürer e são de Cranach. Cada um deles ilustra um dos três estágios da Melancolia como descritos por Agrippa Netesheim. Nos três, o anjo da melancolia está afiando um graveto, gesto que vai ser imitado por Justine e seu sobrinho Leo, quando ela propões que eles construam a caverna mágica.

A obra de Paul Delvaux, surrealista das décadas de 30 e 40 , não aparece no filme mas o clima das cenas está impregnado de suas imagens principalmente a cena em que Justine aparece nua iluminada pelo Melancholia.


Songe - Paul Delvaux

O filme é uma obra prima, na minha opinião. Inúmeras leituras enriquecem o entendimento: desde o significado dos nomes ( Justine - justiça - é a heroína de uma das obras mais famosas do Marques de Sade), Claire (clareza), John ( o que anuncia o Apocalipse), até uma leitura sócio econômica de uma sociedade que está prestes a se defrontar com o fim dos tempos, o fim de SEU tempo, a mudança da era, a passagem para Aquário, que, ao contrário do que cantávamos nos anos sessenta, the moon is not in the 7th house, e a tolerância e o amor não estão no ar.

"Numa enchente Amazônica, numa explosão Atlântica, e a multidão vendo em pânico, e a multidão vendo atônita, ainda que tarde, o seu despertar." Chico Buarque

Trilha sonora e algumas belíssimas imagens:
http://www.youtube.com/watch?v=QrcpxETbDxg

Se ela dança,eu danço SBT john Lennon A morte do Cisne

2011-02-18T07:07:00.000-08:00

Um rio que mudou meu curso

2011-02-16T16:19:00.000-08:00

Hoje me pus a pensar em que momento eu comecei a me interessar pela arte. Melhor: em que momento eu comecei a me emocionar com a arte e pela arte. Qual a lembrança mais remota desse sentir tão quase dor, essa vontade perigosa de viver-criar-viver urgentemente. Porque, desenhar, toda criança desenha e eu já devia desenhar também, desde o jardim da infância na British School. Mas a necessidade, a tristeza que não se sabe de onde, a maturação lenta e dolorosa da imagem se formando ...na mente? no coração que dispara? na alma? no corpo todo?
E a lembrança veio inteirinha, viva.
Minha tia e madrinha estudava canto com um certo professor Talbat. As aulas eram no apartamento dele , creio que em Copacabana. E, às vezes, eu a acompanhava. Eu tinha por volta dos dez anos. Penso hoje que não devia ser um programa dos mais atraentes para uma menina da minha idade, que adorava praia, sentar quieta num sofazinho, por uma hora e meia, ouvindo a tia treinar as escalas, os trinados, e cantar umas canções incompreensíveis. O que me animava no início, eram as pastilhas de alcaçuz que ela chupava antes das aulas para clarear a voz, como ela dizia. Vinham numa caixinha que abria feito uma gavetinha. Eram pretas, com uma textura de jujuba, e na forma de um búzio. Às vezes ,em outras ocasiões, eu lembrava daquelas pastilhas e pedia que ela me desse uma. Jamais. Só ganhava uma, ao acompanhá-la às aulas de canto. Eram importadas e raras. E não eram balas, me dizia.
Até que um dia, eu reparei num quadro que tinha na parede da sala do professor Talbat. Era uma tela não muito grande, de uma paisagem. Como se o pintor estivesse em cima de um morro e pintasse o rio que corria lá embaixo. Esse rio era margeado , dos dois lados, por uma floresta fechada. O horizonte sugeria um fim de tarde sereno, com céu azul pálido. O rio fazia uma curva leve para a direita e se embrenhava na mata novamente. Não lembro em qual da vezes, se da segunda, terceira ou quarta ,em que sentei naquele sofazinho, eu percebi o quadro. So sei que, a partir do momento em que eu tomei consciência dele, as idas às aulas de canto do 'Messiê' Talbat eram momentos esperados com ansiedade. Para estar perto daquela imagem. Porque, enquanto o 'Messiê' tocava piano e minha tia, que tinha uma bela voz de contralto,cantava, eu viajava naquelas águas , às vezes num barco à velas, às vezes percorrendo a pé as margens sombrias e frias, os pés úmidos ao pisar as folhas caídas. Principalmente me intrigava o que haveria depois da curva. Um castelo em ruínas. Uma cachoeira caindo em precipício. Um príncipe a cavalo. Um pirata invencível.Tribos de índios. Uma praia com um navio naufragado. Imaginava que, quando chegasse lá , na curva do rio, já seria noite, porque meu barco nunca era a motor e, às vezes, era mesmo uma canoa a remo.
Aquela pintura me fazia habitar histórias incríveis, repletas de imagens, uma capacidade de inventar, criar e recriar, que até então eu deconhecia por completo. Ainda por cima, com a incrível trilha sonora de belas árias, acompanhadas pelo piano correto do francês Talbat. Eu não podia mais existir sem isso. Pra mim, aquele era o quadro mais lindo do mundo e ficar muito tempo distante dele era como se eu perdesse o dom de imaginar tantas aventuras. Por isso me lembro tão bem dele, até hoje. Como se eu o tivesse visto ontem, na parede em frente ao sofazinho, no apartamento de Copacabana. Olhava para ele o tempo todo que duravam as aulas, também para trazê-lo para dentro de mim, para que ele se tornasse parte de mim, para que ele se transformasse na fonte eterna daquele sentimento experimentado. Sentimento de arrebatamento estático, de um quase transe, quando não me importava mais nada que não fizesse parte daquela minha vida dentro da imagem do rio correndo no meio de uma floresta verde e sombria. A paixão da alma de uma menina de dez anos.
A partir dessa idade é que passei a pedir caixas de lápis de cor e cadernos de desenho, fora do material escolar. Minha tia e madrinha foi quem me deu uma caixa enorme de Caran D'Ache e um belo caderno de papel canson, com uma capa lisa preta. Achei chique aquela capa lisa preta. Digna de artistas.
Foi então que descobri que a Arte, em todas as suas formas, me conectava com o que eu sentia diante da pintura da casa do professor de canto. O que eu sentia, continuo sentindo ainda hoje, às vezes com um filme, com uma música,com um livro e quando crio textos , imagens, desenhos, pinturas. Ainda hoje, me sinto em perigo.
O que eu sentia, ainda não sei explicar.
"Só o que se pensa é que se pode comunicar aos outros.
O que se sente não se pode comunicar.
Só se pode comunicar o valor do que se sente.
Só se pode fazer sentir o que se sente. (...)
O sentimento abre as portas da prisão com que o pensamento fecha a alma.
A lucidez só deve chegar ao limiar da alma.
Nas próprias antecâmaras do sentimento é proibido ser explícito.
Sentir é compreender.
Pensar é errar.
Compreender o que outra pessoa pensa é discordar dela.
Compreender o que outra pessoa sente é ser ela.
Ser outra pessoa é de uma grande utilidade metafísica.Deus é toda gente."
Fernando Pessoa

Jornal do Brasil - Cultura - Anna Maria Maiolino: É só barro – e também arte

2010-04-17T20:09:00.000-07:00

Jornal do Brasil - Cultura - Anna Maria Maiolino: É só barro – e também arte

Anna Maria Maiolino: É só barro – e também arte

André Duchiade, Jornal do Brasil

RIO DE JANEIRO - A nova obra da artista Anna Maria Maiolino pode ser definida de uma maneira bastante simples, apesar de ter relações com temas sofisticados. Trata-se de uma grande instalação com 3 mil quilos de argila modelada em um salão. Lá a matéria, que não passa pelo forno, desidrata, petrifica e depois vem a ser reciclada. A argila aparentemente segue padrões como blocos, cilindros e espirais. Há uma desigualdade inevitável entre as peças por terem sido geradas por pulsões diferentes. Apesar disso, a artista é prosaica ao falar sobre o próprio trabalho, que desde o início do mês está em exposição no Camden Arts Centre, em Londres.

– Para Anna, na verdade, é argila modelada. Não tenho nenhuma representação. Quero a presença da entropia, do trabalho realizado – conta a artista, referindo-se a si mesma na terceira pessoa.

Suporte muda, a força não

Nascida na Itália em 1942 mas vivendo no Brasil desde 1960, Anna é considerada pela crítica uma das maiores artistas brasileiras vivas. Já trabalhou com suportes variados como pintura, desenho, gravura e vídeo, mas desde o final da década de 1980 dedica-se principalmente à argila. Além da exposição Continuous, em Londres, prepara-se para uma grande retrospectiva (em outubro) na Fundação Antoni Tàpies em Barcelona, onde também já expuseram Lygia Clark e Hélio Oiticica. Além da nova instalação, a mostra em Londres reúne uma série de filmes produzidos ao longo de mais de 30 anos, de In-out, antropofagia, seu primeiro super-8, a Quaquaraquaqua, de 2005. De acordo com Anna, embora os suportes variem, a força que move as obras é a mesma.

– No nível da estética (uma palavra que ficou velha, prefiro o termo “poética”), as preocupações nascem de certos enfoques no seu interior, certas motivações psíquicas e subjetivas iguais. Um poema fala de maneira diferente de um vídeo. Quando se utiliza diferentes mídias, o discurso se alarga e fica mais rico.

A artista começou seus estudos formais de arte na Venezuela, para onde os pais imigraram antes de tentar a vida no Brasil. Desde 1958 expôs regularmente no país, e quando se mudou para o Rio seguiu aulas de pintura e xilogravura na Escola de Belas Artes da UFRJ. Nos anos seguintes participou de salões no Brasil e na Venezuela, ganhando prêmios e uma exposição individual em Caracas.

Em 1965, aproximou-se dos questionamentos do movimento conhecido como Nova Objetividade e assumiu como temas dominantes a condição feminina, o cotidiano e a política. São desse período obras com A espera, O herói e Glu-Glu-Glu, xilogravura que mostra um homem fazendo um banquete sobre uma privada.

– Era um momento muito bonito e especial, as utopias estavam no ar apesar dos militares – diz. – A política entra em questão quando me afeta. Meu trabalho não era sobre a ditadura, era sobre a vida.

Em 1968, naturalizou-se brasileira e mudou-se para Nova York com o marido, o artista Rubens Gerchman. Na cidade teve contato com artistas latino-americanos com propostas experimentais de linguagem e abandonou a representação. Voltou ao Brasil em 1972, onde vive desde então, primeiro no Rio e atualmente em São Paulo.

– Considero-me brasileira pela minha formação. Herdei toda a minha mensagem dos artistas mais pungentes e vivos da arte brasileira.

Sua produção a partir da década de 1970 se caracteriza pela diversidade de suportes, primeiro poesia e desenho, depois as mais variadas formas. A instalação Entrevidas, de 1981, consiste num espaço com o piso ocupado com 70 dúzias de ovos naturais de galinha, por onde os visitantes caminham como se estivessem num campo minado. A instalação foi propositalmente concebida num momento particular da vida política do país, da abertura democrática. A argila veio há cerca de 20 anos.

– Eu fazia então muitos desenhos com água, mas quis fechar um ciclo. Quando você vai para uma coisa tão imaterial como desenho com água, é preciso colocar os pés no chão. A argila é terra, o máximo da materialidade – explica.

A busca pela diferença e repetição no trabalho da artista tornou-se consciente em 1993, quando realizou Um, nenhum e cem mil, no Centro Cultural Banco do Brasil, exposição a respeito da identidade inspirada pelo livro de Pirandello. Engana-se quem pensa que a busca pelo tema foi algum filósofo francês:

– Só li Diferença e Repetição (considerada obra maior de Gilles Deleuze, de 1968) em 1997. Era como se eu visse meu pai na mesa, tivesse ilustrado o pensamento dele. Mas cheguei lá através da argila. Quando se está em contato com a matéria, ela ativa seu pensamento, faz com que se busque caminhos materiais. O pensamento acompanha.

17:54 - 17/04/2010

A Leiteira de Vermeer

2010-04-13T19:09:00.000-07:00

Esse é o "meu" quadro. Se pedissem pra escolher qual pintura deveria sobreviver a uma hecatombe, eu escolheria esta, sem hesitar.Porque me transmite, no sentido supremo, a idéia de humanidade. De ser humano cuidando de seu trabalho com uma concentração quase religiosa, cuidando de produzir os alimentos mais sagrados (pão e leite) para si e para outros, uma vez que, pelos trajes, ela é uma criada. E a cesta à esquerda lembra que é preciso guardar. A lâmpada dourada ao lado dela, simboliza a luz interna, já que a luz divina, na sua forma solar, entra pela janela iluminando quase que misticamente a cena. No chão, o moedor do trigo, o simbolo do trabalho.E aquele silêncio próprio das obras do Vermeer que envolve tudo numa sacralidade atemporal.

Nem vou falar das cores...esse amarelo mostarda e o azul anil.

Sabe-se pouco sobre sua vida. Era protestante e converteu-se ao catolicismo para casar-se, aos 20 anos, com Catharina. Tiveram 11 filhos, dos quais 8 eram mulheres. As moças que aparece em suas obras eram, muito provavelmente, suas filhas, mesmo a moça do brinco de pérola. O romance com o mesmo nome que deu origem ao filme, é pura ficção. Moravam na casa da mãe de Catharina, onde o chão nem era de mármore como ele costuma representar em suas obras.Vermeer morreu aos 42 anos de um colapso, nas palavras de sua mulher. Escreveu ela que ele passou de saudável a morto em um dia. Os 11 filhos e as dívidas que se avolumavam, contribuiram definitivamente.Ficou esquecido durante aproximadamente 200 anos. Sua obra prima "A Arte de Pintar" foi vendida como sendo de outro pintor, seu rival de Hoock. Só em fins do século XIX seu valor foi resgatado.

Exposição "C'est la vie! Vanités, de Caravage à Damien Hirst"

2010-03-29T21:56:00.000-07:00

A exposição "Vanitas, de Caravaggio a Damien Hirst" está acontecendo em Paris, de 3 de fevereiro a 28 de junho, no Musée Maillol.

Aqui, alguns trechos sobre as aulas que vou dar esta semana nos meus cursos.

As VANITAS não tiveram sempre o mesmo significado. Os artistas de antigamente insistiam em sobre o caráter efêmero da vida; os criadores atuais denunciam o absurdo do nosso mundo

As figuras mais representativas da VANITAS são o crânio e o esqueleto. Elas atravessaram os séculos em milhares de imagens., dos mosaicos romanos do século I, aos diamantes de Hirst.

A exposição do Maillol dá destaque a dois momentos da História da Arte: a arte barroca ( idade de ouro da VANITAS) e a arte contemporânea, quando parece que este grande tema clássico retorna com força.

Os antigos associavam o crânio da morte ao estóico ‘Memento mori’ (lembra-te que vais morrer), a outra face do ‘Carpe Diem’ (aproveite o dia), dos epicuristas.

Os orientais (China, Japão) eram mais moderados na expressão da impermanência das coisas do mundo. Primavam pelo tema mas de maneira mais alusiva. Somente o Ocidente cristão enaltece tanto a imagem da morte pútrida e ossuda.

No fim da Idade Média, as Danças Macabras refletiam o flagelo dos tempos - as guerras, a peste negra – sempre assegurando seu veredito igualitário: humildes ou poderosos, todos são iguais perante à morte.(...)

Ao redor do crânio, pintado a partir do século XVI com um realismo objetivo e anatômico, os pintores holandeses arranjavam alguns objetos em composições austeras. É que, à medida que as imensas riquezas chegavam ao porto de Amsterdam, estes objetos iam se espalhando pelos interiores burgueses. Pintados nos quadros, simbolizavam a impermanência, remetendo-se à simbologia do passar do tempo (ampulhetas, clepsidras, relógios), da fugacidade da juventude (flores e frutos), da brevidade da existência humana (velas acesas, taças cheias pela metade ou emborcadas), da fragilidade (vidros intatos ou rachados, bolhas de sabão), do caráter ilusório do mundo (os reflexos nos vidros e nos espelhos, as bolas de cristal, os utensílos de ouro ou prata.), da precariedade do poder (cetros,coroas,mitras), da riqueza (prata, objetos de luxo), do prazer (jogos, instrumentos musicais, cachimbos e tabaco, alimentos) todos ilusões, que a morte torna absolutamente vãos.

O saber, as ciências e as artes, simbolizadas pelos livros e os utensílios da profissão, também não escapam ao grande tribunal da VANITAS.(...)

Andy Warhol não resistiu ao tema e tornou a morte pop e multicolorida. Mas o genial Hirst, com a obra "The Love for God, Laugh!,de 2002, um crânio cravejado de diamantes, é quem representa melhor o nosso ambíguo tempo. Essa morte espetacular e faiscante, que nos oferece uma gargalhada bem

humorada e sarcástica, vencedora e provocante, torna-se a mais completa tradução da nossa cínica Vanitas contemporânea.

O quê Adriana Varejão tem a ver com Tarsila do Amaral?

2010-03-11T19:13:00.000-08:00

Enquanto Tarsila propõe a deglutição antropofágica simbólica das culturas européias, Adriana Varejão a realiza por inteiro e consegue ser quase literal, com suas imagens perturbadoramente atraentes e sugestivas.

Tarsila cria o seu "Ser que Come" ( Abaporu, segundo o dicionário Tupi).

Adriana É o ser que come e nos convida, entre irônica e perversa, a comer também.
Duas digestões difíceis: a fase antropofágica de Tarsila e a obra de Ardriana. Indiscutivelmente necessárias, porém

"A Negra" oferece entediada o seu seio farto, seu leite, os afago, o
colo. "A Figura de Convite II" oferece, faceira, todo um cardápio variado de pés, mãos,torsos,cabeça -dos outros- e flores, em inocentes azulejos.
Duas mulheres brasileiras: uma paulista, outra carioca. Uma do tempo das guerras. Outra do temppo do terrorismo.

Duas atenções voltadas para um mesmo Brasil, incessantemente metamorfótico, que recusa a limpeza e a ordem dos hospitalares azulejos brancos. Que os conspurca por transgressão e repto. Que se espreguiça, depois, ao sol causticante.

Exposição sobre Caravaggio, nos 400 anos de sua morte

2010-03-03T00:02:00.000-08:00

Tocador de Alaúde (São Petesburgo)

Nos últimos anos, muita pesquisa, estudos, exposições e palestras sobre a biografia artística de Michelangelo Merisi, dito o Caravaggio, confirmam o crescente interesse universal em torno dos momentos artísticos do pintor e seu papel fundamental dentro da história arte dos últimos quatrocentos anos. E este cenário é o clima em que a idéia de uma nova e ambiciosa exposição- mesmo na sua simplicidade - nasceu na SCUDERIE del QUIRINALLE, Roma, de 20 de fevereiro a 13 de junho. Uma exibição de imagens lineares e emocionante, imaginada segundo um critério absolutamente rigoroso, apresentada ao público de uma forma concisa, não antológica, centrada apenas nas obras "capitais", ou seja, apenas sobre as obras de Caravaggio historicamente reconhecidas. A opção de privilegiar a autografia segura excluiu , portato, a produção atribuída à sua oficina, assim como também foram colocados à margem, deixados momentaneaamente em suspenso,as "versões posteriores" e todas as questões em que o crítica do século XX, por diversas vezes enfrentou, e continua a fazê-lo, com opiniões nem sempre concordantes. O resultado final é uma forma coerente e rigorosa, que lança nova luz sobre as diferentes etapas do processo evolutivo da linguagem desenvolvida por Caravaggio: um percurso emocionante e cristalino, que purifica e exalta o carácter excepcional e único de sua obra. Em exibição entre as obras mais representativas do Lombardo, como a Cesta de Frutas (Fiscella) da Biblioteca Ambrosiana de Milão, O Baco da Galeria Uffizi, em Florença, David com a Cabeça de Golias, da Galleria Borghese, em Roma, Os Músicos do Metropolitan Museum de Nova Iorque, Alaúde do Museu Hermitage em São Petersburgo, o Amor Vencedor do Museu Staatliche, em Berlim e outras obras-primas dos museus mais importantes da Itália e do mundo, formam uma espécie de homenagem à singularidade própria da obra de Caravaggio, no ano dedicado a comemorar os quatrocentos anos após a morte do mestre.

Scuderie del Quirinale

A exposição na Scuderie del Quirinale surge, portanto, como um novo e apaixonado momento de reflexão, uma oportunidade única de penetrar a essência do artista "terrivelmente natural", em seu critério revolucionário e deslumbrante do naturalismo, a sua obstinada, embora dialética, deferência para com o real, irredutível a esquemas e à escolas, solitário na sua grandeza e poesia. O projeto, concebido para comemorar o quarto centenário da morte do grande artista é patrocinado pela Presidência da República, e nasce sob os auspícios e sob o comando da Superintendência para o Patrimônio Histórico, Artístico e Etno-antropológicos e pelo Polo Museológico da cidade de Roma.

Palácio Capanema é da CULTURA e da EDUCAÇÃO Petition

2010-02-26T18:23:00.000-08:00

Palácio Capanema é da CULTURA e da EDUCAÇÃO Petition

O Governador do Rio de Janeiro, Sergio Cabral, manifestou a intenção de ocupar o Palacio Capanema, conhecido também como o prédio do Ministério da Educação e Cultura (MEC), com o Comitê Organizador dos Jogos Olímpicos de 2016.

O argumento de que o prédio esatria sendo sub aproveitado desde a mudança da capital para Brasilia não se sustenta. Os 16 andares estão regularmente ocupados por órgaõs dos ministérios da Educação e da Cultura: as representações do MEC e do MinC, o IPHAN, a Funart, o Escritório de Direitos Autorais da Biblioteca Nacional e a Fundação Palmares.

Este (des)propósito parece não estár levando em consideração o fato do prédio ser TOTALMENTE tombado pelo Patrimônio Histórico, interna e externamente. Nenhuma peça do mobiliário, por exemplo, pode ser alterada: tem que se manter o original ou uma cópia idêntica. O espaço interno é composto de compartimentos com lambris de divisórias que não podem ser substituídos.

O prédio é um marco importante na nossa arquitetura. Sua construção data de 1936 a 1945 e foi entregue em 1947 como sede do Ministério da Educação e Cultura. Foi construído sobre o risco do Arquiteto Le Corbusier por uma equipe de jovens arquitetos modernos: Lucio Costa, Carlos Leão, Ernani Vasconcellos, Affonso Eduardo Reidy,o estágiário Oscar Niemeyer e o paisagista Burle Marx. Os painéis de azulejo (foto) são criação de Cândido Portinari. E sempre esteve ligado à Educação e à Cultura, apesar de algumas ameaças de descaracterizá-lo como agora. Em 2008 houve até uma tentativa de transformá-lo em sede do DETRAN. Todo o tesouro artístico que ele abriga (painéis de azulejo e painéis em tinta a óleo de Portinari, pinturas de Guignard, Pancetti, esculturas de Bruno Giorgi e Lipchitz, etc.) bibliotecas, auditórios, salões e jardins ainda correm o risco de não mais servirem ao propósito cultural a que foram destinados.

Contra esse projeto, corre na internet uma petição do deputado Molon ( Partido dos Trabalhadores/RJ) que será encaminhada diretamente ao Presidente da República. Eu já assinei e estou repassando por email, Facebook, Orkut e Twitter.

Os nossos Vazios de Todo Dia

2009-10-10T15:49:00.000-07:00

Rachel Whiteread é uma artista inglesa de 46 anos. Yayoi Kusama, também artista plástica, japonesa, está na casa dos 80. À primeira vista, nada em comum entre elas, nem no trabalho das duas. Mas, se analisarmos um pouco mais, à sua maneira, cada uma delas preenche o vazio de forma diversa. A questão na verdade , é esse imenso vazio. Para Rachel, o que importa é o vazio entre as coisas. Lembra a música do Gil: "É sempre bom lembrar, que um copo vazio, está cheio de ar". Usando a modelagem como base de trabalho e pensamento, ela coisifica o vazio entre as coisas. Os vãos das cadeiras acabam por se tornar forma, através dos moldes em gesso , concreto ou resina. Indo muito além do pensado, ela tira moldes de casas inteiras por dentro, casas dos subúrbios de Londres, que vão ser derrubadas. Casas vitorianas de outra época, uma época que vai se extinguindo a cada dia que passa. Ela perpetua não a casa, mas esse fantasma que é o vão das coisas, dando forma à ausência da construção externa, pois são as paredes e janelas e portas internas que nos é dado ver pelo processo de molde. O avesso exposto pelo lado de fóra. Seus monumentos ( podemos chamá-los assim?) não recebem tinta e mantém a cor acinzentada do material. Silenciosas presenças que nos remetem aos limites, à memória, à morte. Sua obra prima é um monumento aos judeus austríacos. Foi erguido em Viena, num lugar chamado Judenplatz, na forma de uma biblioteca " pelo avesso": as paredes que formam o bloco cúbico do monumento, foram moldadas em estantes de bibliotecas. Brancas. Livros em branco de histórias que não foram escritas, de 6.000 judeus austríacos mortos.

Yayoi Kusama poderia ter se tornado tão famosa quanto Andy Warhol. Frequntou o mesmo

grupo Pop Art da época. Porém, em 1975, voltou para Tóquio e se internou numa clínica

psiquiátrica onde está até hoje. Ela sofre de Transtorno Obsessivo Compulsivo e sua compulsão é por pontos e bolas. No Japão , ela talvez seja considerada a maior artista contemporânea. Continua trabalhando e preenchendo todos os espaços com seus pontos, criando, ao inverso de Rachel, um universo infinito, inteiramente preenchido de formas geralmente circulares e cores, muitas cores. Suas intalações com espelhos circulares e lâmpadas coloridas formam padrões caleidoscópicos ao mesmo tempo divertidíssimos e desnorteantes: exatamente como grandes cidades como Tóquio ou Las Vegas. Espaços que, na verdade, estão quase vazios: apenas alguns espelhos e lâmpadas, mas que nos dão a ilusão de um preenchimento completo.

Rachel traz o fantasma do que se acabou. Yayoi nos mostras como também somos compulsivos nas nossas cidades, casas, vidas, trabalhos, preenchendo todos os nossos minutos com miríades de imagens e estímulos. Fascinantes.Vazios.

A Vida Privada da Obra de Arte

2009-09-26T04:59:00.000-07:00

Algumas das grandes obras de Arte possuem uma história particular por vezes mais interessante que a própria história dos artistas que as produziram. Uma história de resistência e sobrevivência às ameaças do tempo e das pessoas.
"A Ressurreição" , afresco de Piero della Francesca e "A Santa Ceia", de Leonardo da Vinci, por exemplo, escaparam por um triz dos bombardeios da Segunda Guerra Mundial.

"A Primavera", de Botticelli, foi criada para ser um presente de casamento e para ornamentar a parede do quarto do casal: cheia de simbologia, teria um função subliminar de ajudar o casal, bastante jovem, nos procedimentos sexuais do casamento.
A belíssima modelo da "Vênus", de Velazquez, teria sido uma amante italiana do pintor, quando este viveu por 3 anos na Itália.

Baseada em uma longa série da BBC de Londres, eu organizei um curso em 10 aulas onde conheceremos cada detalhe das obras escolhidas: a que se destinavam, o procedimento técnico utilizado na sua confecção, as polêmicas causadas, as ameaças do tempo e das guerras, os fatos e pessoas responsáveis por sua sobrevivência.
São elas:
07/10: ‘A RESSURREIÇÃO’ Piero della Francesca
14/10: ‘A SANTA CEIA’ Leonardo da Vinci
21/10: ‘PRIMAVERA’ de Botticelli
28/10: ‘VÊNUS’ Velazquez
04/11: ‘A RONDA NOTURNA’ Rembrandt
11/11: ‘3 DE MAIO DE 1808’ Goya
18/11: ‘LIBERDADE GUIANDO O POVO’ Delacroix
25/11: ‘O BEIJO’ Rodin
09/12: ‘DOMINGO NO GRAND JATTE’ Seurat
15/12: ‘O GRITO’ Munch

O Curso vai acontecer todas as QUARTAS , das 19:00 às 21:00, no ESPAÇO TELEZOOM do Leblon, no Rio de Janeiro.

Inscrições e informaçõe nos telefones

(21)3435-1617 e 3435-1588

Circuito das Artes do Jardim Botânico

2009-09-01T19:33:00.000-07:00

rua lopes quintas

grupo Samba com Chucrute no Baukurs

gabriela civitate
e cátia capistrano
do ateliê Casa Azul

Já existe há 13 anos. É quando os ateliês do bairro, que são muitos, abrem suas portas, todos de uma vez, para que as pessoas possam visitá-los e conhecer o resultado do trabalho de tantos atistas e artesãos. O primeiro bairro a tomar essa iniciativa foi Santa Teresa, outro lugar com vários ateliês.

Pouco tempo depois, Gabriela Civitate e Cátia Capistrano começaram a organizar o Circuito no Jardim Botânico. Gabriela ceramista e Cátia gravurista são sócias, com outras artistas e artesãs, na Casa Azul Ateliê.

Eu mesma, durante um tempo, tive o meu ateliê no mesmo endereço: Rua Lopes Quintas 201, e já participei do Circuito com gravuras e guaches, com palestras, divulgando meu livro sobre a Festa do Divino em Paraty ou mediando mesa de debate. Este ano as aulas me tomaram todo o tempo. Infelizmente não consegui produzir um trabalho plástico. Por outro lado, pude percorrer a pé os ateliês e participar de alguns eventos, coisa que , quando somos expositores, jamais conseguimos porque o movimento é muito intenso e não podemos sair nenhum minuto das nossas salas. Daí que resolvi fotografar alguns momentos e é isso que venho dividir com vocês aqui no blog.

Christina, ateliê Casa Azul

A edição deste ano parece ter alcançado seu formato ideal. Foram dois finais de semana, do meio dia às 9 da noite, com oficinas de ritmo, capoeira, grupo de chorinho, todos se apresentando nas ruas. Curiosamente o bairro concentra um grande número de ceramistas e os trabalhos tem se apresentado cada vez mais interessantes a cada ano que passa.

grupo tambor carioca

O tempo foi esplêndido e o prazer de ver esses variados trabalhos de arte foi aumentado pelo sol cálido de quase primavera e a brisa que trazia os aromas diversos do Jardim Botânico e da Mata Atlântica.

O Circuito acontece nos dois finais de semana de Agosto. Ano que vem espero poder participar novamente como expositora.

Jackson Pollock e o Xamanismo

2009-08-08T12:36:00.000-07:00

Jackson Pollock nasceu em Cody, Wyoming, em 1912 e talvez seja o mais conhecido representante da Action Painting ou Expressionismo Abstrato da Escola de Nova York. Seu interesse gravitava em torno da Filosofia do Extremo Oriente, dos escritos de Krishnamurti, das teorias de Jung, da música de John Cage, do Jazz e da pintura de Picasso, especialmente Guernica. Como muitos artistas de sua geração, sentiu-se atraído pelas experiências surrealistas com o automatismo psíquico e pela arte dos dito "primitivos". Picasso e Matisse reviram seus conceitos estéticos a partir da arte da Oceania e da África.

Pollock foi buscar no xamanismo dos índios norteamericanos um fio condutor para sua busca pessoal através da arte, que surgia agora mais como um prolongamento exterior da interioridade do artista. Num primeiro momento, seus quadros semifigurativos ainda procuram ilustrar vivências rituais xamânicas: o sacrifício, a fusão homem animal ( a fusão de um xamã em um animal totêmico é uma das suas condições para sua viagem no invisível), o nascimento, o êxtase, a morte , o renascimento, produzindo uma arte de essência espiritual, fruto de um pensamento penetrado por simbolismos, plena de sacralidade e sensualidade.

Nos últimos dez anos de sua vida, Pollock dedica-se ao que se convencionou chamar de "dripping" , onde ele parte do zero, do pingo de tinta que deixa cair na tela, deixando certa margem para o acaso que atua como um sentido de liberdade em relação às leis da lógica. Nesta fase de sua obra, não "ilustra" mais através das imagens a "viagem" xamânica; agora , por intermédio da pintura de ação, é a própria vivência ritualística que está ali representada. Sua pintura é resultante de uma gestualidade corporal que o mantém numa condição de excitação constante, quase um lúcido delírio: o êxtase xamânico. É a única pintura que não toca a tela e na qual o artista funciona como um intermediário entre sua própria natureza e a obra, produzindo marcas com o auxílio do acaso e do rítmo de seus gestos.

De Outubro do ano passado a fevereiro deste ano, Pinacothèque de Paris expôs "POLLOCK ET LE CHAMANNISME", reunindo obras deste período e alguns objetos rituais.

"A thing of beauty is a joy forever"

2009-07-14T20:42:00.000-07:00

Lygia Pape nasceu em Nova

Friburgo no estado do Rio de Janeiro
em 1927.

É considerada, inclusive no exterior, uma das mais importantes representantes das Artes Plásticas contemporâneas brasileiras. Sua trajetória se inicia com o abstracionismo geométrico e evolui para o neoconcretismo, movimento encabeçado por Ferreira Gullar e Hélio Oiticica, em meados da década de 1950, no Rio de Janeiro. Lecionou na Belas Artes da UFRJ e na Universidade SAnta Úrsula. Participou de várias exposições coletivas e individuais. Trabalhou com cinema e ganhou uma bolsa da Fundação Guggenheim, passando a residir em Nova York por vários meses. Morreu em 2004.

A atual Bienal de Veneza está expondo esse magnífico trabalho dela, da série "Ttéia". Luz e fios de aço produzem um espaço de magia e precisão, delicado e impactante, frágil e poderoso. Esse trabalho data de 2002 e possui uma qualidade de atemporalidade que o desliga de qualquer tendência ou escola moderna, pósmoderna, contemporânea.

Foi premiada postumamente.

A Poesia de Sophia

2009-07-06T19:49:00.000-07:00

"Para atravessar contigo o deserto do mundo,

Para enfrentarmos juntos o terror da morte,

Para ver a verdade, para perder o medo

Ao lado dos teus passos caminhei.

Por ti deixei meu reino, meu segredo

Minha rápida noite, meu silêncio

Minha pérola redonda e seu Oriente

Meu espelho, minha vida, minha imagem

E abandonei os jardins do paraíso.

Cá fora, a luz sem véu do dia duro.

Sem os espelhos, vi que estava nua

E ao descampado se chamava tempo

Por isso , com teus gestos me vestiste

E aprendi a viver em pleno vento."

Sophia de Mello Breyner Andresen nasceu na cidade do Porto em 1919, viveu em Lisboa e faleceu em 2004. É considerada uma das maiores poetisas de Portugal. Foi amiga de João Cabral de Mello Neto e admirava Manoel Bandeira.

A VAnguarda Russa em Exposição no CCBB, RJ.

2009-06-27T16:42:00.000-07:00

A exposição "Virada Russa", sobre a vanguarda do início do século XX, já está no CCBB do Rio. Fui ontem rapidamente e pretendo voltar com mais calma. Mas já deu pra perceber que foi muito bem montada. Não são muitas as obras; contudo dá para perceber que são obras relevantemente representativas. A sala dedicada a Malevitch traz os emblemáticos "Quadrado Negro sobre Fundo Branco", "Cruz Negra" e "Círculo Negro" lado a lado, iluminados sobre uma grande parede negra, conferindo uma monumentalidade silenciosa a essas formas rigorosas. O impacto visual é imediato e poderoso, principalmente porque as outras obras expostas no mesmo ambiente pertencem a uma fase de excesso de cor.

Outro ambiente que emociona é dedicado a quatro obras de Wassily Kandinsky. Muito bem escolhidas, representam , cada uma delas, um período da obra dele; há o figurativo expressionista - um pequeno quadro de uns 12cm por 18cm - em forma de uma paisagenzinha com torre de igreja em cores luminosas e vibrantes, há uma tela maior de São Jorge a meio caminho da abstração, outra abstrata que me prendeu em sua admiração por quase meia hora , e a quarta tela, já pós-bauhaus, de abstração mais geometrizante , de ritmos musicais e leveza espacial.

A exposição ainda conta com belas obras de Natalia Goncharova, Aleksandra Exter e Olga Rozanova, tres das muitas mulheres que contribuiram para a renovação da arte russa do início do século XX.

A última sala exibe obras pós stalinistas de gosto duvidoso, adequadas ao novo pensamento do regime, que considerava o Suprematismo de Malevich , Rozanova e Rodchenko como fruto tardio de um decadentismo burguês! Porém, os cartazes publicitários deste mesmo período expostos nesta sala, são testemunhas do quanto que o Construtivismo de Tatlin e Gabo e o Suprematismo influenciaram a estética das artes gráficas da época.

A exposição fica até 23 de agosto. É uma rara oportunidade de apreciar estas obras que compõem o acervo fixo do Museu Estatal Russo de São Petesburgo.

E constatar como eram corajosos e verdadeiros estes artistas modernos na sua busca da essência na representação plástica.

Festa do Divino, em Paraty

2009-05-15T10:42:00.000-07:00

Trechos e imagens do meu livro "O IMPÉRIO DO DIVINO EM PARATY"

Foi pelo mar que eu cheguei a Paraty pela primeira vez. Era um dia de julho e tudo estava imerso numa atmosfera azulada. Naquela época, os carros ainda transitavam pelas ruas e a cidade tinha um ar meio abandonado, o mato crescendo no campanário da Santa Rita.
Era um dia de semana qualquer.
Casas fechadas.
De repente, ao dobrar no Largo do Rosário, um bouganville ciclâmen vibrou contra o céu azul e ouvi os pássaros cantarem só pra mim. Muitas e muitas vezes depois eu voltaria a Paraty mas essa primeira impressão é forte até hoje; foi quando eu me apaixonei pelo lugar.
Numa dessas vezes, estava acontecendo uma festa local que eu desconhecia: a Festa do Divino. Sentada na praça, em frente à Matriz, ouvi o relato minucioso de um dos moradores da cidade sobre aquela festa, que, na época, era bem mais modesta do que a que se faz hoje. Passei a voltar praticamente todos os anos, completamente fascinada pela beleza e significado daqueles rituais tão antigos, conservados no seu frescor espontaneamente pelos habitantes que os praticam e ensinam há gerações. Resolvi fazer um pouco parte daquilo, trazendo alunos a cada ano para que, conhecendo o evento, pudessem, de alguma forma, contribuir para a preservação do mesmo. A Festa do Divino realiza-se no dia de Pentecostes(3), cinquenta dias após a Páscoa. Portanto, possui data móvel, que varia entre fins de maio e início de junho. Este evento é mais citado no Novo Testamento do que no Antigo, uma vez que tem importância capital para a fé e liturgia cristãs: é em Pentecostes que ocorre a descida da Terceira Pessoa da Trindade, o Espírito Santo, sobre os Apóstolos de Jesus, reunidos após Sua morte mas ainda despreparados para a missão evangelizadora que lhes caberia. É o Espírito que os inspira e os prepara, descendo sobre suas cabeças na forma de uma língua de fogo, a centelha do entendimento, o insight divino. É nesse momento que nasce a primeira Igreja de Cristo; do discurso de Pedro e do “dom das línguas”, adquirido imediatamente após a descida do Santo Espírito e que significa a capacidade de dirigir-se a todas as nações e ser compreendido por elas.

Esta festa cristã, no entanto, tem uma origem judaica: é o SHAVUOT, a festa das primícias da colheita do trigo. Uma festa agrícola à qual, depois, foi dado também um motivo histórico: é quando se comemora a outorga da lei a Moisés.

Seu significado simbólico cresce em beleza se associarmos o SHAVUOT à PENTECOSTES. Com o trigo faz-se o pão, alimento do corpo. Com as tábuas de Moisés faz-se a lei, alimento moral. Com o Espírito Santo faz-se o discernimento, alimento da alma. Belas e fartas colheitas, portanto!

Ao Brasil, a festa chegou com os primeiros colonizadores portugueses ainda no século XVI, e hoje se faz presente na maioria dos estados brasileiros, mantendo, em linhas gerais, os rituais medievais com os quais ela aportou por aqui. Acredita-se que a Rainha Isabel de Aragão, de Portugal (1271 – 1336), casada com o Rei D.Diniz foi a responsável pela difusão das comemorações em honra ao Espírito Santo e foi também quem lançou as bases da Congregação do Espírito Santo, um movimento de solidariedade cristã que foi, aos poucos, absorvendo as tradicionais festas pagãs. Ao que parece, as festas iniciaram-se com a construção da Igreja do Espírito Santo na cidade de Alenquer. O ponto alto dos festejos acontecia dentro do mais puro espírito cristão de igualdade e fraternidade, que unia os ricos e os pobres, sem distinção; era quando, por iniciativa da rainha, o bispo coroava um rapazinho da comunidade humilde, que se transformava em imperador por um dia, e assistia à missa solene, coroado e sentado em trono ao lado do altar, ocupando o lugar do rei. Nesta ocasião distribuía-se uma refeição à base de carne e batata, o “bôdo”, a toda a população do lugar. A comemoração espalhou-se pelo reino de forma semelhante ao cerimonial iniciado pela rainha, e, com a devida autorização, foram criadas coroas semelhantes a do rei, com os símbolos da Santíssima Trindade, para que os procedimentos em tudo seguissem os originais. Lá como aqui, mantiveram-se os elementos essenciais da festa: a coroação de um rapaz humilde durante a missa da véspera, o trono ao lado do altar e a farta distribuição de comida ao povo.
O Imperador, figura mais emblemática do acontecimento, deverá ser escolhido com alguns meses de antecedência e o ideal é que tenha entre 13 e 18 anos e que seja um pouco mais alto que seus Vassalos. Suas roupas serão confeccionadas seguindo rigidamente um modelo pré-estabelecido e idêntico às fardas da Milícia da Vila de Paraty no séc. XVIII.

A Procissão das Bandeiras é um marco nesta festa de Paraty: momento ímpar quando o fervor alia-se à uma beleza comovente. Todas as bandeiras são vermelhas e tem uma pomba branca no centro, que pode ser pintada ou bordada e, algumas vezes, possuem outros ornamentos também. No alto do mastro, sempre vai uma pombinha de madeira sobre um globo azul e a visão de todas aquelas pombinhas “voando” sobre um “mar” de bandeiras vermelhas, tendo como cenário as ruas e casa centenárias da cidade com suas janelas e portas decoradas, é contagiante. O vermelho das bandeiras segue a cor dos paramentos religiosos da festa de Pentecostes

A próxima Festa vai acontecer nos dias 29,30 e 31 de maio e eu vou levar um grupo. Mais informações:

claudia@vogelturismo.com.br

tel:55(21)3150-3930

55(21) 7898-7376

Picasso e seus Mestres

2009-05-08T13:00:00.000-07:00

" Picasso não foi um meteoro genial vindo de nenhum lugar. Foi um homem do século XX que se sabia, como todo pintor, o herdeiro de uma tradição, de uma história e de seus heróis. Ele teve seus mestres; alguns o influenciaram quando ele era um jovem artista - El Greco, Toulouse-Lautrec, Cézanne, Ingres ou Gauguin. Mas Picasso sabia da responsabilidade que cabe a todo artista de recomeçar de outro modo e de fazer assim evoluir certa tradição, de criar uma cultura e de preparar o futuro. Também com outros mestres, na última etapa de sua vida, ele empreendeu longas conversações - Manet, Velazquez ou Delacroix.

Citar todos os pintores que Picasso amava seria cansativo: toda a história da arte, das pinturas rupestres aos quadros de seus contemporâneos Matisse e Braque, nutriram sua obra.(...) Picasso colheu aqui e ali, em toda parte; uma sombra em um, uma astúcia de composição em outro, e também a posição de uma mulher em uma fotografia, uma forma em um jornal, um aspecto inédito em uma publicidade. Neste sentido, ele foi um artrista impuro, um bricolor, o primeiro não romântico, talvez o primeiro verdadeiramente moderno, diria mesmo o primeiro contemporâneo - certamente aquele que, revolucionando a arte de seu tempo, a explorou mais e abriu novos caminhos." ( Olivier Cena)

Este texto acima abre o catálogo da exposição que aconteceu no Grand Palais , Paris, de outubro de 2008 a Fevereiro de 2009 . Os curadores reuniram quadros destes e de outros artistas a quem Picasso admirava, de quem ele sofreu influências ou de quem ele se apropriou de obras para fazer releituras livres e espetaculares.

Abaixo, o link da montagem da exposição: um filminho super bem elaborado, que mostra todo o cuidado que uma exposição como essa exige além de mostrar alguns desses quadros escolhidos.

http://www.rmn.fr/Accrochage-des-oeuvres-de-l

...e Hélio Oiticica disse: " O q faço é música"

2009-05-05T19:57:00.000-07:00

Os Dois Irmãos

2009-05-04T20:02:00.000-07:00

Os Dois Irmãos me ensinaram sobre a beleza titânica de uma pedra ao sol. E eu me irmanei com os Irmãos, e fui pedra também. Imóvel e antiga. Vendo do alto as marés enfeitadas de gaivotas. Fronte altiva, acolhendo o Vento Sudoeste.

Este me ensinou as canções das sereias, zunindo sobre o mar encapelado, revirando cabeleiras, toalhas e guarda-sóis. Aprendi as canções todas. E saberei soltá-las quando a hora chegar.

Das areias, ouvi todas as histórias de todos os seres que por ali deixaram suas pegadas desde Os Primeiros dos Dias (porque nenhum foi O primeiro...) para um dia contá-las, quando eu for novamente areia.

O R E S T O É M A R ..................

foto de João Torres

Para aqueles que eu amo mais.

2009-05-04T18:39:00.000-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=gqyg1jD2zQc&feature=channel_page

Eu sinto muito

2009-05-02T17:44:00.000-07:00

No Jardim Botânico

(A mesma luz e
O bosque imerso nela)

Ando rápido como se pudesse escorrer a raiva pelos pés, como se pudesse afundar essa metódica raiva na lama rasa que se formou depois da chuva. Os turistas passam devagar aprisionando a paisagem nas câmeras digitais. Aprisionam a mesma paisagem que eu espero que me liberte, que me traga a redenção pra esse sentir desmedido que me enfeitiça e aprisiona na consciência de um tempo circular, initerruptamente a fazer e desfazer. Esse sentir sem alívio, sem perdão, sem trégua.
Duvido de tudo, agora.
Pensei que escolhi.
Pensei que fiz.
Pensei que desfiz.
Nada disso.

Só senti .

Sento à beira do lago para escrever e tentar colocar uma ordem no tempo e na raiva que não consegui escorrer de mim.

O sol do outono me faz um doce carinho no ombro direito. Paro de escrever, viro meu rosto na direção dele e lembro do Alberto Caeiro, pra quem a luz do sol não sabe o que faz e por isso não erra ,e é comum e boa. Não há metafísica, diz ele. Quem dera! Essa luz, madura e dourada, é justamente a que me traz de volta a consciência desse sentir. É a mesma luz de tantos outros sentires, e o bosque imerso nela.
É o sol, que neste exato brilhar entre as folhas ainda molhadas, me exibe e me expõe na mesma condição de fragilidade.

Vou embora para preservar essa minha nudez.

AnaCris Nadruz

The Garden of Love

2009-05-01T21:22:00.000-07:00

Foi no Metropolitan de Nova York. Eu estava sozinha, feliz da vida que os amigos tinham resolvido fazer compras em China Town e eu podia, enfim, ficar horas no museu, sem ter que explicar nada pra ninguém, somente escrevendo no meu diário. Reproduzo aqui uma das páginas:“Quando me virei, estava lá: uma tela do Kandinsky, das primeiras abstratas, “The Garden of Love”. Na mesma sala , já tinha apreciado o lindíssimo “Dois Irmãos” do Picasso, em tons de um rosado velho , um “Nú” fantasticamente sanguíneo do Modigliani e um Matisse celestial. Mas , diante do Kandinsky, tudo mudou: fui passando, lentamente, de uma percepção exterior para um entendimento interior profundo, um giro quase imperceptível de consciência, mudando meu centro de gravidade em direção ao espiritual, à compreensão da Beleza em sua essência, o silêncio primordial no meio do ciclone, onde reina a mais absoluta das pazes. 'The GArden of Love - Improvisation n. 27' era o próprio 'O Amor que move o Sol e as outras Estrelas', de que fala Dante na 'Divina Comédia' , equalizando ritmos . É nesse universo que eu me reconheço habitante. Este quadro me mostra meus rastros , minha trilha, e me ilumina onde quer que eu esteja com um brilho de mil sóis, faz boiar na minha boca um sorriso arcaico, arrasta caravanas tilintantes e rubras pelas dobras das rugas da minha testa, e acelera em slow motion as patas do tigre ancestral adormecido atrás do meu coração. "

AnaCrisNadruz